PAQUA Las resistencias de la ortodoxia artística frente a la innovación tecnológica: del rechazo a la fotografía en el siglo XIX a la Inteligencia Artificial en el siglo XXI
Lautaro Dores charlas de AI
Introducción
La historia de las artes visuales demuestra que cada transformación tecnológica significativa ha sido recibida, en su momento, con una fuerte resistencia por parte de los sectores más ortodoxos del campo artístico. Estas resistencias rara vez responden únicamente a cuestiones estéticas; por el contrario, suelen estar vinculadas con la defensa de paradigmas institucionales, modelos de legitimación, formas tradicionales de producción y concepciones históricas acerca del valor de la obra de arte.
Paradójicamente, muchas de las disciplinas hoy plenamente aceptadas fueron, en su origen, consideradas amenazas para el arte mismo. La fotografía fue vista durante gran parte del siglo XIX como un procedimiento mecánico incapaz de producir obras artísticas. El diseño gráfico, el diseño industrial y posteriormente las herramientas digitales fueron durante buena parte del siglo XX considerados expresiones comerciales ajenas al llamado "arte elevado". En la actualidad, la Inteligencia Artificial ocupa el lugar que anteriormente ocuparon aquellas tecnologías: es objeto de sospecha, descalificación e incluso rechazo absoluto por parte de numerosos sectores académicos y profesionales.
Este fenómeno invita a reflexionar acerca de una constante histórica: las instituciones artísticas suelen responder con conservadurismo frente a toda innovación que modifica profundamente los procesos de creación, producción y circulación de las imágenes.
La ortodoxia artística como mecanismo de conservación
Pierre Bourdieu sostuvo que el campo artístico funciona como un espacio de disputas por el capital simbólico, donde los grupos dominantes buscan preservar los criterios que legitiman su propia posición. Desde esta perspectiva, las reacciones frente a las innovaciones tecnológicas no deben interpretarse únicamente como debates estéticos, sino también como luchas por el poder cultural.
Thomas Kuhn, aunque desarrolló su teoría para las ciencias, describió un fenómeno comparable mediante el concepto de cambio de paradigma. Mientras un paradigma permanece vigente, las instituciones tienden a rechazar cualquier elemento que cuestione sus fundamentos. Sólo cuando las anomalías se acumulan y una nueva práctica demuestra su eficacia, el paradigma termina transformándose.
En las artes visuales, esta lógica puede observarse repetidamente a lo largo de más de ciento cincuenta años.
Siglo XIX: la fotografía como amenaza al arte
La invención oficial de la fotografía en 1839 produjo una de las mayores crisis conceptuales de la historia del arte occidental.
Hasta entonces, la pintura mantenía el monopolio de la representación fiel de la realidad. La precisión anatómica, la perspectiva y la reproducción del mundo visible constituían gran parte del prestigio académico.
La aparición del daguerrotipo modificó radicalmente ese escenario.
Numerosos críticos sostenían que la fotografía no podía ser arte porque:
era producida mediante un aparato mecánico;
dependía de procesos físico-químicos;
no requería la habilidad manual del pintor;
reproducía automáticamente la realidad.
Charles Baudelaire expresó una de las críticas más conocidas en El público moderno y la fotografía (1859), donde afirmaba que la fotografía sólo debía servir a la ciencia y jamás ocupar el lugar del arte.
Sin embargo, la historia terminó demostrando exactamente lo contrario.
Con el paso de las décadas aparecieron autores como Alfred Stieglitz, Edward Steichen, Man Ray, Paul Strand o Henri Cartier-Bresson, quienes desarrollaron un lenguaje visual autónomo que ya no imitaba la pintura sino que exploraba las posibilidades específicas del medio fotográfico.
Hoy resulta impensable excluir a la fotografía de la historia del arte.
Siglo XX: el rechazo al diseño y al arte digital
Durante buena parte del siglo XX surgió una nueva división entre las llamadas Bellas Artes y las disciplinas proyectuales.
El diseño gráfico, el diseño industrial, la ilustración, la publicidad e incluso la historieta fueron considerados por muchos sectores académicos como producciones "menores", debido a su vinculación con la industria y el mercado.
Esta postura ignoraba que gran parte de las vanguardias históricas habían trabajado precisamente en la intersección entre arte, industria y comunicación visual.
La Bauhaus ya había propuesto, desde 1919, la integración entre arte, técnica y producción industrial.
Posteriormente, figuras como Moholy-Nagy defendieron que las nuevas tecnologías visuales debían incorporarse plenamente al pensamiento artístico.
No obstante, la resistencia persistió durante décadas.
Algo similar ocurrió con el arte digital.
Desde los años sesenta comenzaron las primeras experiencias mediante computadoras.
Artistas como Vera Molnár, Frieder Nake, Harold Cohen o Manfred Mohr fueron considerados durante mucho tiempo experimentadores tecnológicos más que artistas.
En numerosos museos y universidades el arte digital fue relegado por no involucrar materiales tradicionales como óleo, piedra o grabado.
Sin embargo, el desarrollo de Internet, la realidad virtual, el videoarte y los nuevos medios terminó ampliando definitivamente el concepto de producción artística.
Actualmente existen departamentos universitarios completos dedicados al New Media Art.
Siglo XXI: la Inteligencia Artificial como nuevo objeto de controversia
La aparición de modelos generativos de Inteligencia Artificial representa probablemente la mayor transformación visual desde la invención de la fotografía.
Las herramientas capaces de generar imágenes mediante lenguaje natural modifican profundamente el proceso creativo.
Esta situación ha generado fuertes críticas.
Entre los argumentos más frecuentes aparecen:
la supuesta ausencia de creatividad;
la automatización de la producción;
la pérdida del oficio manual;
problemas relacionados con derechos de autor;
cuestionamientos sobre la autoría.
Sin embargo, muchas de estas objeciones reproducen casi literalmente los discursos utilizados contra la fotografía en el siglo XIX.
La historia parece repetirse.
En realidad, la Inteligencia Artificial no elimina necesariamente la creatividad humana.
Lo que modifica es la naturaleza del trabajo creativo.
El artista ya no interviene únicamente mediante el gesto manual sino también mediante:
dirección conceptual;
construcción semántica;
selección crítica;
curaduría;
edición;
integración de múltiples herramientas.
El proceso creativo se desplaza desde la ejecución material hacia el diseño intelectual del sistema de producción.
La persistencia del mito del "oficio"
Uno de los argumentos más recurrentes sostiene que el verdadero arte depende exclusivamente de la destreza manual.
Sin embargo, esta afirmación resulta históricamente discutible.
Marcel Duchamp cuestionó radicalmente esta idea mediante el ready-made.
Joseph Kosuth desplazó el interés desde el objeto hacia el concepto.
Sol LeWitt afirmó que la idea constituye la máquina que produce el arte.
El arte conceptual demostró hace décadas que la ejecución manual no constituye el único criterio de legitimidad estética.
Desde esta perspectiva, la Inteligencia Artificial continúa una transformación iniciada mucho antes de la informática.
La paradoja de las instituciones artísticas
Existe una paradoja constante.
Las instituciones académicas suelen defender las innovaciones del pasado mientras rechazan las del presente.
Hoy enseñan fotografía.
Hace ciento cincuenta años la rechazaban.
Hoy enseñan diseño.
Hace cincuenta años lo consideraban arte menor.
Hoy incorporan arte digital.
Hace treinta años muchos lo despreciaban.
La historia sugiere que probablemente ocurra algo semejante con la Inteligencia Artificial.
La legitimidad cultural suele llegar después de que la práctica artística ya se encuentra ampliamente desarrollada.
Innovación tecnológica y expansión del lenguaje artístico
Cada nueva tecnología amplía el repertorio expresivo del arte.
La fotografía permitió registrar el instante.
El cine incorporó el tiempo.
El video añadió nuevas narrativas.
La informática introdujo la interacción.
Internet posibilitó la producción distribuida.
La Inteligencia Artificial incorpora procesos generativos basados en aprendizaje estadístico.
Ninguna de estas herramientas reemplazó completamente a las anteriores.
La pintura continúa existiendo.
El dibujo permanece vigente.
La escultura sigue produciéndose.
Las nuevas tecnologías no destruyen los lenguajes previos; expanden el ecosistema visual.
Entre tradición e innovación
Resulta importante distinguir entre tradición y tradicionalismo.
La tradición constituye una memoria viva que dialoga con el presente.
El tradicionalismo, en cambio, convierte esa memoria en una norma rígida que excluye cualquier transformación.
Las artes visuales evolucionan precisamente mediante la tensión entre continuidad y ruptura.
Sin esa tensión no existirían el impresionismo, las vanguardias históricas, el expresionismo abstracto, el arte conceptual, el videoarte ni las prácticas digitales contemporáneas.
La innovación no implica necesariamente abandonar el conocimiento técnico; implica poner ese conocimiento en relación con nuevas herramientas y nuevas formas de pensamiento visual.
Conclusión
El análisis histórico permite advertir un patrón recurrente: cada innovación tecnológica relevante en las artes visuales ha sido inicialmente recibida con desconfianza por sectores ortodoxos que identificaban el arte con los procedimientos tradicionales de su tiempo. La fotografía fue considerada una amenaza para la pintura; el diseño y las tecnologías digitales fueron relegados por su cercanía con la industria; hoy la Inteligencia Artificial es cuestionada por alterar las nociones de autoría, creatividad y oficio.
No obstante, la experiencia histórica muestra que estas tecnologías no sustituyen al arte, sino que transforman sus condiciones de producción y amplían sus posibilidades expresivas. El verdadero núcleo de la práctica artística no reside exclusivamente en una técnica específica, sino en la capacidad humana de formular problemas estéticos, construir sentido y producir experiencias visuales significativas mediante los recursos disponibles en cada época.
Las instituciones artísticas enfrentan, por tanto, un desafío permanente: preservar el legado de la tradición sin convertirlo en un dogma que impida reconocer las formas emergentes de creación. Si la historia ofrece alguna enseñanza, es que aquello que hoy parece disruptivo y marginal puede convertirse mañana en parte del canon. Comprender este proceso exige abandonar las oposiciones simplistas entre lo "manual" y lo "tecnológico" para analizar críticamente cómo cada herramienta reconfigura el papel del artista y expande el horizonte de las artes visuales. Sólo desde esa perspectiva histórica y abierta es posible evaluar con rigor el impacto de la Inteligencia Artificial y de las tecnologías futuras, evitando que la defensa legítima del patrimonio artístico derive en una resistencia infundada al cambio.
