Revista VIAJE INTERIOR. https://heyzine.com/flip-book/187f2a31fd.html
Gracias Vicky Gajardo & Adolfo Di Virgilio / Lautaro Dores - Arte Argentino
Entrevista completa a Lautaro Dores Entrevista a Lautaro
Dores: 1. Críticos como Rodolfo Martínez y Carlos Splausky describieron su obra
como un retrato del "submundo de la gran ciudad" y del "perfil
grotesco de la desesperación humana". ¿Se siente identificado con esta
lectura? ¿Qué es lo que busca en ese "viaje interior" al explorar a
estos personajes marginales? ya esa "alma perdida" en la urbe? Las
excelsas plumas de Rodolfo Martínez y Carlos Splausky han sabido describir
algunas de mis series en particular. Sin embargo, en gran parte de mis trabajos
hay siempre un estudio y una búsqueda en torno a la construcción de la figura
humana. Los rasgos expresionistas de mis trazos, sumados a las características
y expresiones de los personajes o modelos representados, terminan inevitable —y
afortunadamente— contando sus historias. O, al menos, ofrecen una especie de
fotografía: un fragmento de una película que la obra propone para ser
completada en el imaginario del espectador. Mi búsqueda es variada. A veces los
desafíos son estéticos, otras cromáticos, figurativos o incluso académicos,
vinculados a la mera observación. En otras ocasiones, el objetivo es sumergirme
en distintos mundos y contar otras historias, como un cronista visual de la
realidad que nos rodea, pero en lugar de hacerlo con una cámara fotográfica, lo
hago a mano alzada, con recursos pictóricos. Recuerdo que alguna vez una
profesora de Bellas Artes, en medio de una clase, dijo: “Un artista es una
persona que tiene la capacidad de sumergirse en cualquier infierno y volver
para contarlo”. Esa frase me marcó, y de algún modo siento que atraviesa todo
mi trabajo. 2. Su formación es muy rica y diversa: se inicia en la historieta
plástica para fanzines y tapas de discos, luego se perfecciona en el IUNA y
explora el muralismo y el arte urbano junto a maestros como Marino Santa María
y los discípulos de Ricardo Carpani. ¿Cómo influyó este recorrido, desde el
arte más callejero y gráfico hasta el académico, en la construcción de su
estilo expresionista y su pincelada de "puro instinto" Haber
trabajado en arte urbano junto a grandes Maestros ha sido, sin duda, un
privilegio inmenso. No solo por lo aprendido en el manejo técnico de la pintura
mural, sino también por la incorporación de recursos técnico-tecnológicos y la
elaboración integral de proyectos urbanos en toda su complejidad y magnitud.
Estos proyectos pueden abarcar desde la intervención de una fachada, un
interior, una plaza, una estación de tren o de subte, e incluso una de micros,
por mencionar solo algunos ejemplos. Además, el trabajo puede ser requerido tanto
en barrios humildes como en torres o edificios sofisticados de zonas lujosas,
lo cual hace que cada experiencia sea única. Ese desafío resulta profundamente
motivador, más aún cuando se sostiene el ideario de llevar el arte a las calles
para propiciar identidad, una interacción sociocultural siempre enriquecedora.
La influencia del arte urbano que podría destacar en relación a mi pintura de
caballete, podría decirse que es la simplificación de los bocetos y diversidad
de técnicas de transferencia a la tela como grabado, fotografía, diseño y
otras, que resulta en un trabajo mucho más técnico y sistemático, también
podría destacar la pre-elaboración de colores para contar con la paleta ya
planeada y probada para no dejar nada librado al azar. 3. Dos de sus series más
destacadas son "Rock nacional" y "Líderes
Latinoamericanos", donde retrata desde Spinetta y Charly García hasta San
Martín o Evita. ¿Qué lo motiva a elegir estas figuras de la cultura popular y
la historia? ¿Busca capturar la esencia del personaje o utilizarlos como un
símbolo para explorar temas más amplios? En relación a estas series de
personajes tan icónicos de la cultura popular, el desafío fue poder
representarlos y lograr que fueran reconocibles, por ese motivo recurrí a
técnicas del POP ART y transferencias -antes mencionadas- exploradas en el arte
urbano. Esta búsqueda me llevó a explorar nuevos lenguajes y recursos técnicos
diversos, más vinculados al arte del grabado la fotografía, del diseño y el
collage entre otros. La motivación principal fue homenajear a personas y
personalidades que me interesaba representar como un tributo personal. Más
tarde llegarían los encargos, pedidos y sugerencias, lo que me confirmó que el
objetivo había sido logrado. Así, muchas personas e instituciones privadas,
sociales, civiles y gubernamentales comenzaron a solicitar estas obras como
homenajes y distinciones a figuras destacadas de los más variados ámbitos, con
la técnica y estética que había desarrollado. Un gran honor, un verdadero
privilegio, siempre teñido de un profundo reconocimiento. 4. Además de su
trabajo visual, es autor de tapas de libros para editoriales como 3+1.y
coconduce un programa de radio con un nombre tan literario como "ÁLVAREZ
& BORGES". ¿Qué papel juega la literatura en su proceso creativo? ¿De
qué manera las narrativas o las poesías influyen en su paleta de colores
vibrantes y en las historias que cuentan sus cuadros? La literatura, al igual
que la música, ocupa un rol preponderante, casi fundamental, en mi proceso
creativo. Ambas funcionan como disparadores que me permiten construir los
universos cromáticos necesarios para cada proyecto. Las propuestas de
editoriales y escritores suelen invitar a la reflexión y estimular el
imaginario, lo que abre el juego a conjugar visiones y búsquedas capaces de
integrar las expectativas e interpretaciones de todas las partes involucradas.
En ese cruce, intento sintetizar en una sola imagen una historia común, con una
mirada amplia, visualmente contundente, vibrante y representativa. 5. A lo largo
de su carrera ha realizado trabajos y producciones con una notable lista de
artistas como Gyula Kosice, Antonio Pujía, Nicolás Menza y Edmund Valladares.
¿Qué le aporta el diálogo y la colaboración con otros creadores a su
"viaje interior" como artista? ¿Cómo han enriquecido estas
experiencias de su propia obra? Nuevamente, como en la experiencia del arte
urbano, trabajar en proyectos colectivos con artistas de semejante calibre
resulta un enriquecimiento descomunal y, al mismo tiempo, un privilegio inconmensurable.
Compartir desafíos, visiones y modos de abordar las propuestas —desde lo
logístico, técnico y estético— abre la puerta a diálogos visuales, cromáticos y
conceptuales que resultan profundamente enriquecedores. El reto consiste en
visualizar un mismo concepto desde diferentes miradas y lenguajes estéticos
que, finalmente, deben conjugarse para dar lugar a una nueva forma unificada,
una única mirada. Es una experiencia adrenalínica: un llamado al diálogo, la
reflexión, la comprensión y la paciencia; una invitación a abrir la mente para
ver, pensar y percibir desde múltiples perspectivas como si fueran una sola, y
así poder elaborar un nuevo criterio o concepto estético, técnico y visual. 6.
El crítico Carlos Splausky reflexiona sobre su obra como un desafío para
"elevar la condición espiritual en medio de una tecnología que va podando
los brotes de la inspiración". Al mismo tiempo, usted ofrece
reproducciones certificadas de sus obras a través de una tienda online para
hacerlas más accesibles.. ¿Cómo conviven en su visión estas dos realidades? ¿Es
la tecnología una amenaza para el alma que usted busca retratar o también puede
ser una herramienta para difundir el arte que intenta rescatarla? Las técnicas
y tecnologías avanzan a una velocidad vertiginosa, cada vez más sofisticadas, y
eso nos desafía no solo en las artes visuales, sino en la vida misma. Para mí,
ese es el gran reto: asumir esos nuevos paradigmas y, como dijo el gran Carlos
Splausky, encontrar en medio del camino enmarañado esa luz azul que titila al
final de un túnel cualquiera. Esa imagen me acompaña como metáfora de lo que
significa incorporar nuevas herramientas y conceptos sin perder el alma en el
proceso. Creo que la tecnología siempre ha estado en evolución, lo ha estado
haciendo a lo largo de toda la historia de la humanidad. Lo importante es poder
adaptarse y reinventarse permanentemente. En mi caso, lo vivo como un desafío
creativo constante: cómo aprovechar lo nuevo para enriquecer la búsqueda
artística, sin dejar que me arrebate la esencia. Negar esa transformación
sería, creo yo, un camino directo hacia la extinción.
