domingo, 14 de diciembre de 2014

Serie II El origen del Rock en español por Lautaro Dores.


Datos generales
Nombre realLuis Alberto Spinetta
Nacimiento23 de enero de 1950
Bandera de Argentina Buenos Aires, Argentina
Muerte8 de febrero de 2012 (62 años)
Bandera de Argentina Buenos Aires, Argentina
CónyugePatricia Salazar
HijosDante, Catarina, Valentino y Vera.
Ocupaciónguitarrista, cantante y compositor
Información artística
Otros nombresEl Flaco, Luigi, Luisito, El Capitán.
Género(s)Jazz rock, folk rock, blues rock, hard rock, rock progresivo, Soft rock, Pop psicodélico.
Instrumento(s)guitarra criolla, guitarra eléctrica, bajo, piano, teclados, y voz
Período de actividad1967-2011
Discográfica(s)RCA Vik (1968-1971)
Talent Microfón (1972-1974)
Sony Music/CBS (1975-1979)
Almendra Editora (1979-1980)
Mordisco/Ratón Finta (1980)
Universal Music/Sony Music (1981-1987)
Del Cielito Records(1988-1990)
EMI Music (1991-2001)
Sony Music (2002-2004)
Universal Music (2006-2012)
Artistas relacionadosBandas
Almendra
Pescado Rabioso
Invisible
Spinetta Jade
Spinetta y los Socios del Desierto
Aquelarre
Color Humano
Serú Girán
Illya Kuryaki and the Valderramas
Artistas
Miguel Abuelo
Rodolfo Alchourron
Black Amaya
Pedro Aznar
Bernardo Baraj
Andrés Calamaro
Fabiana Cantilo
Claudio Cardone
Gustavo Cerati
Luis Ceravolo
Carlos Cutaia
Juan del Barrio
Emilio del Guercio
Hugo Fattoruso
Osvaldo Fattoruso
Juan Carlos "Mono" Fontana
Carlos Franzetti
Osvaldo "Bocón" Frascino
César Franov
Charly García
Rodolfo García
León Gieco
Tomás Gubitsch
Emmanuel Horvilleur
Nicolás Ibarburu
Héctor "Pomo" Lorenzo
David Lebón
Javier Malosetti
Lucas Martí
Rodolfo Mederos
Edelmiro Molinari
Moris
Litto Nebbia
Nerina Nicotra
Frank Ojstersek
Fito Páez
Pappo
Astor Piazzolla
Rinaldo Rafanelli
Geo Ramma
Diego Rapoport
Carlos Alberto "Machi" Rufino
Ricardo Sanz
Beto Satragni
Dante Spinetta
Gustavo Spinetta
Leo Sujatovich
Tanguito
Sergio Verdinelli
Lito Vitale
Eduardo Zvetelman
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Luis Alberto Spinetta (Buenos Aires, 23 de enero de 1950 - 8 de febrero de 2012), conocido como El Flaco, fue un cantante, guitarrista, poeta, escritor y compositor argentino de rock, considerado uno de los más importantes y respetados músicos en su país. La gran riqueza y complejidad instrumental, lírica y poética de sus obras le valió el reconocimiento en Latinoamérica y el mundo entero.
Es considerado uno de los padres del rock argentino. Fue líder de los grupos Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Spinetta y los Socios del Desierto. En su obra hay influencia de escritores, filósofos, psicólogos y artistas plásticos como Rimbaud, Van Gogh, Dalí, Escher, Lü Dongbin, Jung, Freud, Nietzsche, Foucault, Deleuze, Sartre, Castaneda y Artaud, así como de las culturas de los pueblos originarios americanos y de Oriente.
En 2005 obtuvo el Premio Konex de Platino como el más destacado Solista Masculino de Rock de la década en la Argentina, mismo premio que ganó en 1995 como Cantante Masculino de Rock y 1985 como Autor/Compositor de Rock. En 2009, ganó el Gardel de Oro, el más importante del país en lo musical. Su álbum Artaud, fue considerado por la revista Rolling Stone como el mejor de la historia del rock argentino.[1] Además, otros ocho de sus álbumes fueron incluidos también en la lista de los 100 mejores (Almendra I, Pescado 2, Kamikaze, El jardín de los presentes, Almendra II, La la la con Páez, Invisible y Bajo Belgrano).[1]
Su canción «Muchacha (ojos de papel)» fue considerada en 2002 por la revista Rolling Stone y la cadena MTV como la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock argentino y la 28.ª del rock hispanoamericano, por el sitio Rock en las Américas.[2] [3] Las siguientes canciones de su autoría también han sido consideradas entre las 100 mejores del rock argentino: «El anillo del Capitán Beto», «Maribel se durmió», «Me gusta ese tajo», «Cantata de puentes amarillos», «Rutas argentinas», «El monstruo de la laguna», «Canción para los días de la vida», «Resumen porteño» y «Seguir viviendo sin tu amor» (Rolling Stone-MTV y Rock.com.ar).[2] [4]
En 2009 festejó sus 40 años de trayectoria con un mega recital titulado Spinetta y las Bandas Eternas, durante cinco horas y media de concierto ante 40 mil personas en el estadio de Vélez Sarsfield. Allí reunió a las bandas de toda su carrera y a los más grandes y principales músicos de rock de la Argentina. Un año más tarde, fue considerado el recital de la década.
Falleció a los 62 años a causa de un cáncer de pulmón causado por su adicción al cigarrillo. Sus cenizas fueron arrojadas al Río de la Plata, siguiendo la última voluntad del músico, al lado del Parque de la Memoria de Buenos Aires construido para recordar a los desaparecidos en la última dictadura militar.[5


Ricardo Horacio Iorio (Ciudadela, Tres de Febrero, Buenos Aires, 25 de junio de 1962) es un artista de extensa trayectoria del metal argentino, trabajando desde 1978 hasta la actualidad, grabando 22 discos oficiales y numerosas participaciones especiales.
Comenzó su carrera musical como bajista de V8, grupo que fundó con Ricardo Chofa Moreno. El grupo tuvo algunos cambios de integrantes, y se separó en 1987. A continuación formó Hermética, en donde pasó a ser el principal compositor musical y exclusivo compositor de las letras, además de cantar en forma ocasional. Hermética se separó en 1994, e Iorio formó entonces el grupo Almafuerte, en donde se estableció como cantante y bajista. Más adelante renunciaría al bajo y pasaría a ser únicamente cantante.


Norberto Aníbal Napolitano (Buenos Aires, 10 de marzo de 1950 – Luján, 25 de febrero de 2005), conocido como Pappo, apodado «El Carpo», fue un reconocido guitarrista, cantante y compositor de rock,hard rock y blues argentino, y uno de los primeros en incursionar en el heavy metal en su país.
Fue integrante del grupo Los Abuelos de la Nada, Engranaje, Los Gatos, Conexión Nº 5, Aeroblus y La Pesada del Rock and Roll. Fundó Pappo's Blues en la década de 1970 y Riff en la década de 1980.

Serie II Monstruos del Rock Nacional por Lautaro Dores.

 
 
 







31 años de DEMOCRACIA ARGENTINA por Lautaro Dores



Brindemos por los 31 maravillosos años de nuestra joven e imperfecta DEMOCRACIA!! ...

Democracia es una forma de organización social que atribuye la titularidad del poder al conjunto de la sociedad. En sentido estricto, la democracia es una forma de organización del Estado en la cual las decisiones colectivas son adoptadas por el pueblo mediante mecanismos de participación directa o indirecta que confieren legitimidad a sus representantes. En sentido amplio, democracia es una forma de convivencia social en la que los miembros son libres e iguales y las relaciones sociales se establecen de acuerdo a mecanismos contractuales.

La democracia se define también a partir de la clásica clasificación de las formas de gobierno realizada por Platón, primero, y Aristóteles, después, en tres tipos básicos: monarquía (gobierno de uno), aristocracia (gobierno «de los mejores» para Platón, «de los menos», para Aristóteles), democracia (gobierno «de la multitud» para Platón y «de los más», para Aristóteles).1

Hay democracia indirecta o representativa cuando la decisión es adoptada por personas reconocidas por el pueblo como sus representantes. Hay democracia participativa cuando se aplica un modelo político que facilita a los ciudadanos su capacidad de asociarse y organizarse de tal modo que puedan ejercer una influencia directa en las decisiones públicas o cuando se facilita a la ciudadanía amplios mecanismos plebiscitarios consultivos. Finalmente, hay democracia directa cuando la decisión es adoptada directamente por los miembros del pueblo, mediante plebiscitos vinculantes, elecciónes primarias, facilitación de la iniciativa legislativa popular y votación popular de leyes, concepto que incluye la democracia líquida. Estas tres formas no son excluyentes y suelen integrarse como mecanismos complementarios en algunos sistemas políticos, aunque siempre suele haber un mayor peso de una de las tres formas en un sistema político concreto.

No debe confundirse República con Democracia, pues aluden a principios distintos, la república es el gobierno de la ley mientras que democracia significa el gobierno del pueblo.


miércoles, 29 de octubre de 2014

Antonio Pujía en los premios Podesta - autor de la Estatuilla.


Foto: OSKY - Antonio Pujía y Lautaro Dores.


Nace el 11 de Junio de 1929 en un pueblo del sur de Italia llamado Polia. Sus padres son: Vittorio Pujia y Maria Vallone. Ya en su infancia denota su interés por las formas modelando sus propios juguetes con arcilla que obtenía de las orillas de un arroyo.
En Mayo de 1937 emigra con su su madre y su hermana mayor Carmela hacia la Argentina donde los esperaba Vittorio que había viajado cuando Antonio tenia dos años. Llega a Buenos Aires y comienza sus estudios primarios con cierta dificultad puesto padecía de miopía y nadie se había percatado, su maestro de cuarto grado lo observa y le recomienda a su madre que lo lleve al oculista, usa lentes desde entonces.
También durante su primer grado superior, y por su dificultad con el idioma, comienza a dibujar elementos de la realidad que le llaman poderosamente la atención por la novedad que significaban para el; dibuja un diariero y su maestra lo muestra por toda la escuela llenándolo de orgullo.
Al momento de egresar, su maestro orienta a los alumnos en sus futuros estudios secundarios y le dice que el debería seguir Bellas Artes. Antonio, fascinado por el atrayente nombre de la carrera, le comunica su deseo a sus padres recibiendo una rotunda negativa por parte de su padre que imaginaba mas conveniente para el una carrera de contador. Con la complicidad de su madre consigue anotarse en el examen de ingreso de la Escuela Manuel Belgrano. Ya en el examen se siente un tanto intimidado por que descubre que sus futuros compañeros se han preparado y el no, de todos modos logra aprobar y cursa regularmente la escuela haciéndose notar cada vez mas por sus dotes artísticas y por su gran aplicación al estudio. Durante este período trabaja duramente para costearse los estudios eligiendo siempre trabajos que le permiten agregar conocimientos y practica de taller, relacionado con los materiales usados en la escultura, por ejemplo moldería en yeso, realización de taseles, etc. Así obtiene el titulo de Profesor Nacional de Dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y el de Profesor de Escultura en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Carcova. Este periodo de estudios abarca desde 1943 hasta 1954 y tiene como profesores a artistas de la talla de Troiano Troiani, Alfredo Bigatti, Alberto Lagos y José Fioravanti, con los cuales también trabaja como ayudante en sus talleres, también trabaja como ayudante en el taller de Rogelio Yrurtia.
Tiempo después, y a modo de sentido homenaje, bautiza con sus nombres los patios de su propia escuela-taller. Se dedica con creciente intensidad a la creación y a la docencia ejerciendo la titularidad de las cátedras de Escultura en las escuelas Pueyrredón y Belgrano y también enseña en su escuela -taller entre 1970 y 1975.
En 1956 el entonces Director Técnico del Teatro Colón, Hector Basaldua, decide dotar al Teatro de un taller de escultura escenográfica para lo cual organiza un concurso, el cual es ganado por Antonio Pujia; quien se desempeña como jefe del mismo hasta 1970. De este periodo proviene su fascinación por la música y la danza, dos de sus temas predilectos. Asiste regularmente a las clases de los bailarines y se dedica a tomar infinidad de apuntes en carbonilla sobre papel. Así, forja una intensa amistad con José Neglia y Norma Fontela, primeras figuras del Ballet estable del Teatro y tantos otros bailarines del cuerpo de baile. En 1966 realiza el retrato de Norma Fontela que hoy se exhibe en el foyer del teatro.
En 1959 Gana su primer premio de importancia: el Gran Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano. Esta distinción lo empuja a profundizar su compromiso con el arte. Esto iniciaría una seguidilla de premios crecientes en importancia y ganados a una edad poco usual, puesto que los mismos se daban, por lo general a artistas de mayor edad y trayectoria. En 1960 gana el Gran Premio de honor del Salón Nacional de Artes Plásticas a la edad de 30 años.
En 1961 gana la Bienal Alberto Lagos y en 1964 el Gran Premio del Fondo Nacional de las Artes "Augusto Palanza", completando de este modo la posesión de los premios mas importantes del país. Estas destacadas distinciones confirman la elección de Pujia y lo comprometen cada vez mas profundamente en su compromiso con el arte.
En 1965, motivado por esta secuencia de premios, decide realizar su primer muestra individual en la histórica galería Witcomb, una de las primeras galerías de Bs.As. la cual había albergado muestras de los mas importantes artistas del país y del extranjero. Esta muestra marca un hito en su carrera, pues, además de ser un veredero suceso de publico y ventas, fue una muestra donde expuso una gran cantidad de obras fundidas en bronce, cosa que hasta entonces no había podido hacer. Por otro lado, la apuesta fue grande, la muestra fue costeada integramente con sus ahorros; tónica esta, que continuara durante toda su vida como única forma de mantener independencia e integridad con respecto a lo que desea expresar.
Ya completamente definido y animado por el gran éxito de su primer muestra individual se embarca en una producción ininterrumpida (sin dejar su tarea docente ni el taller del Colón) que desemboca en su segundo gran éxito: Biafra. En el año 1970 y profundamente dolorido por el notable impacto que le producen las imágenes de la prensa sobre la desvastación de un nuevo país en el continente Africano, produce lo que seria su primer gran compromiso social. La exposición descarnada de la destrucción del hombre por el hombre. Esta exposición, inaugurada el 23/7/71 en la Galería Esmeralda provoca los mas grandes elogios por parte de la prensa especializada y del publico asistente.
Años después, en el 2000, las mismas esculturas expuestas en el Museo E. Sivori, provocarian sensaciones análogas a aquella época. Es tan grande la importancia que Pujia confiere a esta serie de esculturas que, aún en día, la serie completa y original es parte de su colección privada. En situación análoga a esta se encuentra su famosa serie Martín Fierro producto de los años 72/73 en los cuales vuelve a reflejar la miseria de la destrucción junto a su pasión por la tierra que lo recibió y albergo la Argentina. En la exposición del 75 en el prestigioso Hall del Teatro Municipal Gral. San Martín, el publico se encontró con una de las mas intensas series de esculturas que se hubiesen visto hasta entonces. El suceso es de tal magnitud, que Pujia decide incorporar la muestra, integra, a su colección.
El profundo sufrimiento que le provoca la producción de estas dos series, lo moviliza hacia el otro extremo de su rica personalidad; así es que, en 1977 en la Galería Imagen, expone una recordada serie de esculturas que se alejan sensiblemente de la temática dominate de aquellos años. Mujeres desnudas, parejas de amantes, erotismo, plantas, la serenidad, se expresan en obras como "Adagio" (retrato de su mujer embarazada) o "Amarnos con pasión" ponen en relieve la preocupación del artista en mostrar, con la misma intensidad y pasión, las diferentes posibilidades que anidan en el seno de los seres humanos; el amor y el odio, la construcción y la destrucción, la apatía y la pasión; Tanathos y Eros en eterna lucha.
En el año l976 y aproximadamente durante un año, vive y trabaja en España, en el Escorial, y durante ese periodo y ya de regreso en Bs.As hasta el 79 elabora la temática relativa a los años de plomo con la dictadura impuesta en Argentina. Una pieza de tamaño natural, "Libertad Amordazada" y la serie de esculturas mutables, que también dan cuenta de lo que es encarcelado, por ejemplo "El espejo del alma", mas otras donde la expresión esta puesta en lo que es encerrado, lo que permanece oculto detrás de las cubiertas siniestras que oprimen. En l98O se conmemora la 2da. Fundación de Buenos Aires y se le encarga la creación de una medalla conmemorativa, que se acuña en Italia, y se regalan 250.000 como insert con la Revista "Siete Días". Hasta el 82 se extiende el periodo de piezas con la temática de la dictadura, y con el viaje del 83 comienza a producirse un acercamiento a la obra de Amedeo Modigliani, teniendo como punto de partida el oleo "Le grand nu". Esta serie es un homenaje al pintor,a la belleza, a la serenidad, como contrapartida de la serie anterior. A continuación de esta serie, y luego de este viaje, surge la certeza de que sus raíces están definitivamente en este país en el cual habita, vive, trabaja y ama, desde que llego a los 8 años. En algún momento, la fantasía era pertenecer a ambos, y repartir la vida entre Italia y Argentina, pero redescubre su ciudad, donde esta su familia, su taller, sus alumnos, sus amigos, y esto se traduce en otra serie temática: "Canto de amor a Buenos Aires". Forma parte de este homenaje el acuñado de una serie de medallas con temas y poemas acerca de la Ciudad, que acompañan la edición de un libro. También en ese año, con el advenimiento de la democracia, crea por encargo, una medalla conmemorativa de la asunción a la Presidencia del Dr. Alfonsín.
Hace una importante ampliación a su taller consiguiendo un espacio y luminosidad muy importantes y su sentimiento se vuelca a desarrollar la parte mas bella de la vida: las parejas que se aman, este momento coincide con la etapa en que sus hijos están en pareja, y son el testimonio de la eterna continuidad de la vida siendo, ocasionalmente, modelos para sus obras. Realiza la exposición titulada"En-amor -a dos", que muestra esta serie. A continuación, y con esa misma dirección aparecen las familias, que incluyen los nietos del artista, y forman el núcleo de las familias felices. Posteriormente la debacle económica en que se sumerge el país opone a estas familias las que quedan marginadas de toda inserción social por la desocupación y la indiferencia social. Esta serie la realiza a partir del cuadro de Ernesto de la Cárcova "Sin pan y sin trabajo"; el material que emplea para expresarse, es la cera directa pigmentada. Luego de un tiempo retoma la temática de las parejas y las familias combinando diversos materiales, madera, o mármol con bronce.
Luego de las dos muestras del año 2.000 (Museo Eduardo Sivori y Galería Principium) Pujia decide homenajear (durante el 2003) al Maestro Rogelio Yrurtia del cual fuera ayudante en su juventud y de quien conserva valiosas vivencias y un gran agradecimiento por su ejemplo como creador y pedagogo. Reune entonces parte de sus obras que abarcan el periodo desde l96O hasta 2000, realizando esta muestra en la Casa Museo Rogelio Irurtia que el Maestro donara, con la totalidad de su obra y sus pertenencias, al país. A partir de mediados de 2004 suspende cursos y su participación en Muestras Colectivas o Ferias de Arte, para comenzar un HOMENAJE A LA MUJER al cual dedica todo su tiempo creativo. Dibuja con modelo vivo en su taller, y a partir de esa idea y un numero importante de bocetos, va definiendo y construyendo una serie de piezas ensamblando, bronce fundido a la cera perdida, mármol de carrara, mármol belga, ébano con diversos baños de plata y oro.
Hasta el momento, continua esa misma serie

martes, 28 de octubre de 2014

Premios Podestá 2014


La Asociación Argentina de Actores y el Honorable Senado de la Nación entregarán los Premios Podestá 2014 a la Trayectoria Honorable, que cada año reconocen la labor profesional de nuestros actores. La ceremonia se realizará el lunes 27 de octubre en el Salón Azul del Congreso de la Nación. 

El premio tiene un valor especial, ya que no se basa en la competencia, sino en el reconocimiento directo a la obra de los artistas que en su carrera han realizado un importante aporte a la cultura y al espectáculo.
La ceremonia será conducida por Silvina Bosco, acompañada por la actriz Noralih Gago interpretando a su divertido personaje Concha del Río. La dirección artística del evento estará a cargo de Juan Parodi, reciente ganador del Premio ACE a Mejor Dirección de Teatro Alternativo.
En esta edición, recibirán el galardón a la Trayectoria Honorable: Miguel Ángel Solá, Chunchuna Villafañe, Eleonora Wexler, Osmar Nuñez, Luis Luque, Susana Freyre, Marcos Woinski,  Jorge Suárez , Liliana Motto (Luján, Pcia. de Bs. As.) y Oscar Cisterna (Zona Norte del Gran Buenos Aires).
En la ceremonia también se entregarán las tradicionales medallas a los compañeros que cumplen 50 años de afiliados a la Asociación Argentina de Actores: Federico Luppi, Mercedes Carreras, Adriana Aizemberg, Nora Cárpena, Eduardo Baldani, Lía Jelín, Tina Serrano, Norma Agüero, Hugo Álvarez, Virginia Ameztoy, Fina Bergami, Carlos Alberto Álvarez, Víctor Bruno, Elena Cánepa, Rodolfo Caraballo, Héctor Da Rosa, Omar Fanucchi, Cecilia Gispert, Alberto Mazzini, Oscar Seoane, Osvaldo Tesser y Andrés Turnes.
Como en cada ceremonia de los Podestá, la Asociación Argentina de Actores entregará menciones especiales a las personas y organizaciones que aportan su trabajo para el fortalecimiento de la democracia y de la cultura nacional. Serán distinguidos este año el Taller de Investigaciones Teatrales (TIT), el Grupo Libertablas y los Payamédicos.
Habrá reconocimientos especiales para las cuatro delegaciones de la Asociación Argentina de Actores que se inauguraron recientemente - Santa Fe, Misiones,  Zona Oeste y Zona Norte del Gran Buenos Aires -, que con su trabajo amplían la representatividad a nivel federal, extendiendo la defensa de los derechos laborales.
En un apartado especial de la ceremonia, se realizará un Homenaje a Eva Duarte. Por su carácter de actriz y afiliada a la Asociación Argentina de Actores se entregará una estatuilla del Premio Podestá para que pase a formar parte del patrimonio del Museo Evita.
Los Premios Podestá son entregados por el Honorable Senado de la Nación y la Asociación Argentina de Actores desde 1991, en reconocimiento a las figuras del quehacer cultural. Su nombre hace honor a la familia Podestá, quien fuera la precursora del teatro en Argentina, constituyendo el circo criollo y las primeras experiencias del teatro naturalista. La estatuilla que reciben los premiados a la Trayectoria Honorable es una obra de arte, creada y supervisada en forma individual por el escultor Antonio Pujía.




Un elenco de lujo visita hoy el Salón Azul del Senado de la Nación. Miguel Ángel Solá, Chunchuna Villafañe, Eleonora Wexler, Osmar Núñez, Luis Luque, Susana Freyre, Jorge Suárez, Marcos Woinski, Liliana Motto y Oscar Cisterna, recibirán el Premio Podestá a la trayectoria honorable. La Asociación Argentina de Actores (AAA) entrega esta estatuilla, realizada por el escultor Antonio Pujía, que reconoce a quienes han realizado un aporte a la cultura y al espectáculo. También serán reconocidos por su labor el Taller de Investigaciones Teatrales, el Grupo Libertablas y los Payamédicos.


Una vez más, Silvina Bosco será la perfecta conductora de la ceremonia, acompañada por Noralih Gago, quien se pondrá la peluca y el vestido lujoso de su sensual criatura Concha del Río. Por su parte, Juan Parodi -flamante ganador del ACE como mejor director del off por Mau Mau, de Santiago Loza- es el encargado de una puesta en escena que promete humor y glamour.



A su vez, se entregarán las medallas en reconocimiento a los 50 años de afiliados al gremio de los actores a Federico Luppi, Mercedes Carreras, Adriana Aizemberg, Nora Cárpena, Eduardo Baldani, Lía Jelin, Tina Serrano, Norma Agüero, Hugo Álvarez, Virginia Ameztoy, Fina Bergami, Carlos Alberto Álvarez, Víctor Bruno, Elena Cánepa, Rodolfo Caraballo, Héctor Da Rosa, Omar Fanucchi, Cecilia Gispert, Alberto Mazzini, Oscar Seoane, Osvaldo Tesser y Andrés Turnes.
En homenaje a la familia Podestá, precursora del teatro en la Argentina, los actores distinguen a sus pares con un galardón que no está construido sobre la base de ternas, dentro de las cuales compiten los artistas, sino que se trata de un reconocimiento directo a la trayectoria de sus colegas. Y estas ceremonias suelen ser de las más emotivas y sinceras del ambiente artístico




































 

Sergio Renán & Lautaro Dores.


Sergio Renán, nombre artístico de Samuel Kohan (Buenos Aires, 30 de enero de 1928), es un actor, director de cine, teatro y ópera ("regisseur") argentino.

Biografía

Su verdadero nombre es Samuel Kohan y es hijo de inmigrantes judíos asentados originariamente en las colonias agrícolas de la Provincia de Entre Ríos, de donde es oriundo. Es apasionado seguidor del equipo de fútbol Racing Club.
Como director de cine ha realizado nueve películas, entre las que se destaca La tregua (1974), la primera película argentina nominada para el Oscar a Mejor Película en Lengua extranjera. En 1981 recibió el Diploma de Honor en los Premios Konex, como director de cine. Como director de teatro se destacan sus puestas en escena de Las criadas de Jean Genet en 1970, Drácula de Bram Stoker en 1980, Madame Butterfly, Ha llegado un inspector de J. B. Priestley en 1998 y Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen (2007), entre otras.
Como actor realizó trabajos memorables, como en en la película El poder de las tinieblas (1979) de Mario Sabato, o en Los siete Locos (1973), interpretando el notable personaje de Roberto Arlt, el Rufián Melancólico. En televisión dirigió "Las grandes novelas" por Canal 7, teatralizando a grandes novelistas de la literatura universal, como Antón Chéjov, Honoré Balzac, Fiódor Dostoyevski, Charles Dickens, Gustave Flaubert, Wilkie Collins, Guy de Maupassant, León Tolstói, Émile Zola, Stendhal, Henry James y Oscar Wilde.
Como director de ópera ha presentado, entre otras, en el Teatro Colón de Buenos Aires, Manon, Rigoletto (1985), Otello (1987) y Cosi fan tutte (1990). Se desempeñó como director del Teatro Colón (1989-1996, y brevemente en 2000), y como director del Fondo Nacional de las Artes de la República Argentina. En 2000 dirigió en el Teatro Real de Madrid una innovadora puesta de la ópera Lady Macbeth de Mtsensk de Dimitri Shostakovich, con la dirección orquestal de Mstislav Rostropóvich.

Fuente. WIKIPEDIA



miércoles, 24 de septiembre de 2014

"Aguayos porteños" nueva serie de Lautaro Dores & A.O. imagen y producción.

 
 
Un aguayo es una [prenda (vestido)|prenda]] rectangular usada en Argentina, Bolivia, Perú y norte de Chile como mochila, abrigo o adorno, particularmente por mujeres de ascendencia indígena. Es una tela a rayas de colores contrastantes. Aunque es originaria del altiplano, su uso se ha extendido a zonas bajas como Lima, Santa Cruz de la Sierra y Buenos Aires por la inmigración de habitantes del altiplano. Por lo general los aguayos son muy coloridos con franjas de colores que se alternan y con franjas con figuras simples.
 

En el idioma quechua que se habla en el lago Titicaca (Bolivia) la tela se llama awayo o lijilla.
Para que una tela sea considerada un aguayo es fundamental la contraposición de matices entre una y otra raya, y la alternancia de distintos grosores. Estudios semánticos muy profundos, que implicaron la revisión de viejas fuentes históricas, como también la recolección de testimonios orales actuales entre los urus-chipayas y los aimaras del lago Titicaca, demostraron que esa situación de constraste óptico lo extrae el nativo de un pajarillo que habita la zona, que se llama allgamari, de definida coloración blanca y negra.


Las telas a rayas del tipo aguayo son aplicadas a distintas labores antiguas y actuales: uncus, talegas, costales, axsus (prendas femeninas que cubren la espalda), chuspas, etcétera. Cuando un sector de la tela permanece liso, se lo denomina “pampa” y las rayas pueden comprimirse hacia ambos extremos
Como queda establecido a partir de los colores del ave “allgamari”, un aguayo puede ser simplemente blanco y negro o de tonos naturales tenues.
El cambio de las costumbres llevó a teñir los aguayos de estridentes tintes, que son el placer de los nativos y también de los turistas y que sirven para destacarse en el paisaje terroso de Los Andes.


El aguayo es la cuna de los indígenas, los bebés se llevan en el aguayo, es también símbolo del esfuerzo y del trabajo, el fruto del trabajo y de la tierra. Extendido sobre la Madre Tierra ―que tan hermosamente evoca el rostro y el corazón materno de Dios― el aguayo es también la mesa en torno a la cual se sienta la familia o la comunidad. El aguayo sintetiza y simboliza toda la vida del pueblo. Al celebrar la Eucaristía sobre el aguayo estamos proclamando la profunda relación que tiene que haber entre la vida y la eucaristía.
Victoria Cereceda


Resaltan en este texto tanto las funciones antiguas y tradicionales del aguayo (portar carga, o un niño a la espalda, extenderse sobre la tierra para ofrendar a la Pachamama), como las nuevas (ser usado de mantel en el altar o como parte de la vestimenta del sacerdote católico). Varias congregaciones católicas lo han incorporado dentro de la liturgia de la misa.