domingo, 24 de junio de 2018

ARTWEAR Lautaro Dores & Lolo Benavidez.


Wearable art

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Wearable art, also known as Artwear or "art to wear", refers to individually designed pieces of (usually) handmade clothing or jewellery created as fine or expressive art. While the making of any article of clothing or other wearable object typically involves aesthetic considerations, the term wearable art implies that the work is intended to be accepted as a serious and unique artistic creation or statement. Pieces may be sold and/or exhibited. The modern idea of wearable art seems to have surfaced more than once in various forms. Marbeth Schon's book on modernist jewellery (see the section on jewellery below) refers to a "wearable art movement" spanning roughly the years 1930 to 1960. A 2003 The New York Times review of a book on knitting refers to "the 60s Art to Wear movement".

Wearable art by the artist Beo Beyond
Most wearable art is made of fibrous materials and constitutes therefore a branch of the wider field of fiber art, which includes both wearable and non-wearable forms of art using fabric and other fiber products. Wearable art as an artistic domain can also include jewelry, or clothing made from non-fiber materials such as leather, plastic sheeting, metals, etc.


Wearable fiber art[edit]

Artists creating wearable fiber art may use purchased finished fabrics or other materials, making them into unique garments, or may dye and paint virgin fabric. Countering the belief that art is something expensive, some clothing artists have started local companies to produce quality art work and clothing for a modest price. Wearable art is not restricted to jewellery but is also seen in graphic T-shirts and even pants.
As with any other art form, the talent and skills of artists in this field vary widely. Since the nature of the medium requires craft skills as well as artistic skills, an advanced artist may wish to study color theorychemistrysewingclothing design, and computer software such as Photoshop and Illustrator. Classes in clothing design and marketing are offered at colleges such as the Fashion Institute of Technology in New York City.
The New Zealand city of Nelson gained a reputation in the field of wearable art, with its World of Wearable Art Awards, held annually since 1987 and run by Suzie Moncrieff.[2] In 2005, the show moved to Wellington to a larger venue, although a museum of garments remains in Nelson. In Australia, the Shearwater Wearable Arts or W.A.V.E. (Wearable Arts Vision In Education) has developed from a high school initiative to become a leading wearable arts event.[citation needed] It is held at Shearwater, The Mullumbimby Steiner School in Mullumbimby, New South Wales.[3]





Extreme examples[edit]

Not all garments created as wearable art are made from traditional fibers or fabrics, and not all such artworks are meant for ordinary, practical use. Performance and conceptual artists have sometimes produced examples which are more provocative than useful. Trashion is another branch of extraordinary wearable art, for example, work by Marina DeBris. The Portland Oregon Trashion Collective, Junk to Funk, has been using creating outrageous art garments out of trash.[5]
A well-known example is the Electric Dress, a ceremonial wedding kimono-like costume consisting mostly of variously colored electrified and painted light bulbs, enmeshed in a tangle of wires, created in 1956 by the Japanese Gutai artist Atsuko Tanaka. This extreme garment was something like a stage costume. Not really wearable in an everyday, practical sense, it functioned rather as part of a daring work of performance art(though the "performance" element consisted merely of the artist's wearing the piece while mingling with spectators in a gallery setting).[6]
In Nam June Paik's 1969 performance piece called TV Bra for Living SculptureCharlotte Moorman played a cello while wearing a brassiere made of two small operating television sets.[7]
Canadian artist Andrea Vander Kooij created a group of pieces called Garments for Forced Intimacy (2006). According to an essay at Concordia University's Faculty of Fine Arts gallery website, these hand-knit articles of clothing are designed to be worn by two people simultaneously, and they, "as the name states, compel the wearers into uncharacteristic proximity."[8]
As wearable computing technology develops, increasingly miniaturized and stylized equipment is starting to blend with wearable art esthetics. Low-power mobile computing allows light-emitting and color-changing flexible materials and high-tech fabrics to be used in complex and subtle ways. Some practitioners of the Steampunk movement have produced elaborate costumes and accessories which incorporate a pseudo-Victorian style with modern technology and materials.


Arte usable

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El arte usable , también conocido como Artwear o "arte para usar", se refiere a piezas diseñadas individualmente de (por lo general) prendas hechas a mano o joyas creadas como arte fino o expresivo. Si bien la fabricación de cualquier prenda de vestir u otro objeto que se pueda llevar puesto generalmente implica consideraciones estéticas, el término arte usable implica que el trabajo debe ser aceptado como una creación o afirmación artística seria y única. Las piezas se pueden vender y / o exhibir. La idea moderna de arte usable parece haber surgido más de una vez en varias formas. El libro de Marbeth Schon sobre joyas modernistas (ver la sección de joyas más abajo) se refiere a un "movimiento de arte portátil" que abarca aproximadamente los años 1930 a 1960. Un 2003 The New York Times reseña un libro sobre tejido hace referencia al "arte de los años 60 para vestir" movimiento".


Arte de fibra usable [ editar ]

Los artistas que crean prendas de fibra para vestir pueden usar telas compradas o de otro tipo, convirtiéndolas en prendas únicas, o pueden teñir y pintar telas vírgenes.Contrarrestando la creencia de que el arte es algo caro, algunos artistas de la indumentaria han comenzado a crear empresas locales para producir obras de arte de calidad y ropa a un precio modesto. El arte usable no se restringe a las joyas, sino que también se ve en camisetas estampadas e incluso en pantalones.
Al igual que con cualquier otra forma de arte, el talento y las habilidades de los artistas en este campo varían ampliamente. Dado que la naturaleza del medio requiere habilidades artesanales y artísticas, un artista avanzado puede desear estudiar teoría del color , química , costura , diseño de ropa y software de computadora como Photoshop e Illustrator . Se ofrecen clases de diseño y comercialización de prendas de vestir en colegios como el Fashion Institute of Technology en la ciudad de Nueva York .
La ciudad de Nueva Zelanda, Nelson, se ganó una reputación en el campo del arte portátil, con sus World of Wearable Art Awards , que se celebran anualmente desde 1987 y dirigidos por Suzie Moncrieff . [2] En 2005, el espectáculo se trasladó a Wellington a un lugar más grande, aunque un museo de prendas de vestir permanece en Nelson. En Australia, Shearwater Wearable Arts o WAVE (Wearable Arts Vision In Education) se ha desarrollado a partir de una iniciativa de la escuela secundaria para convertirse en un destacado evento artístico. citación necesitada ] Se lleva a cabo en Shearwater, The Mullumbimby Steiner School en Mullumbimby , Nueva Gales del Sur.






Ejemplos extremos [ editar ]

No todas las prendas creadas como arte portátil están hechas de fibras o telas tradicionales, y no todas estas obras de arte están destinadas para un uso ordinario y práctico. Los artistas de performance y conceptualesalgunas veces han producido ejemplos que son más provocativos que útiles. Trashion es otra rama del extraordinario arte usable, por ejemplo, el trabajo de Marina DeBris . El Colectivo Trashion de Portland Oregon, Junk to Funk, ha estado utilizando prendas de arte extravagantes a partir de la basura. [5]
Un ejemplo bien conocido es el Electric Dress , un traje ceremonial de kimono nupcial compuesto principalmente por bombillas electrificadas y pintadas de diferentes colores, enredadas en una maraña de cables, creado en 1956 por el artista japonés Gutai Atsuko Tanaka . Esta prenda extrema era algo así como un traje escénico. No se puede usar en el sentido práctico, sino que funcionaba como parte de una obra atrevida de performance (aunque el elemento de "performance" consistía simplemente en que el artista llevaba la pieza mezclándose con los espectadores en un escenario de galería). [6]
En la obra de performance de Nam June Paik , titulada TV Bra for Living Sculpture , Charlotte Moorman tocaba un violonchelo con un sujetador hecho con dos pequeños televisores operativos. [7]
La artista canadiense Andrea Vander Kooij creó un grupo de piezas llamado Garments for Forced Intimacy (2006). Según un ensayo en el sitio web de la galería de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Concordia , estas prendas de vestir tejidas a mano están diseñadas para ser usadas por dos personas al mismo tiempo, y "como su nombre lo indica, obligan a los usuarios a una proximidad inusual". [8]
A medida que se desarrolla la tecnología de la computación portátil , los equipos cada vez más miniaturizados y estilizados comienzan a mezclarse con la estética artística portátil. La computación móvil de baja potencia permite que los materiales flexibles que cambian de color y que emiten luz y los tejidos de alta tecnología se utilicen de formas complejas y sutiles. Algunos practicantes del movimiento Steampunk han producido disfraces y accesorios elaborados que incorporan un estilo pseudo-victoriano con tecnología y materiales modernos.






lunes, 18 de junio de 2018

LIBRO DE ARTISTA.


Libro-arte

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El libro-arte o libro de artista es una pieza de arte creada por un artista visual cuyo concepto implica que la obra tiene que mantener alguna conexión de ideas, como es la presentación del material con relación a una secuencia que dé acceso a sus contenidos. Esta definición entre flexible o imprecisa y amplia o rica entorna el formato hacia una caracterización de piezas concisas y limitadas conceptualmente hacia lo que quiera reflejar el artista.1
(…) la mayoría de los estudiosos del libro coinciden (…) en establecer dos objetivos comunes: el primero, el de la democratización del arte, que cuestionaba la forma y el concepto de libro y pretendía crear un “producto artístico democrático”, utilizando un medio de difusión de “masas” para llegar al público transformando su valor simbólico y, el segundo, el de protagonizar a partir del “libro de artista” cambios sociales, considerándolo como un transformador de la sociedad. 2
El libro-arte no posee demarcaciones disciplinares, negándose a delimitar sus fronteras y trazar caminos específicos que determinen su producción. Por ello, intentar clasificar, etiquetar, ordenar la gran variedad de libros de artistas, es una tarea compleja, pero esta hibridez e indeterminación plástica propicia la creatividad y da libertad a los artistas en la creación de la obra, encontrándose diferencias entre libro de edición común y libro de artista.3​ Mientras que el libro común es un producto industrial, que puede contener reproducciones de obras de arte y textos literarios, un libro de artista es considerado una obra de arte, encontrándose principalmente en sitios especializados en la venta de arte. Hortensia Mínguez lo explica de la siguiente manera:
(...) la escisión entre el libro común y el libro-arte devino precisamente en el momento histórico en el que la sociedad artística se encontró en la posición de demandar y utilizar el libro como medio de comunicación y expresión [...tomando...] al libro como un concepto más de exploración para experimentar matérica y simbólicamente (...)4
Estos libros tienen además otros factores a considerar:
La imagen y el texto se conjugan, predominando en general aquella sobre éste. A veces se trata de ejemplares únicos, pero otras se producen en pequeñas ediciones. Otras veces se trata de objetos intermedios entre la pintura y/o el grabado, y la escultura. Otras, el carácter lo aporta el hecho de tratarse de intervenciones sobre libros ya editados, lo que se conocen como libros alterados.
Como se ve, el campo de las posibilidades es amplio y no está cerrado.5
(...) los itinerarios son múltiples y los espacios de actuación prácticamente imprevisibles. Sabemos que, desde el inicio de la imprenta -y en pro de una difusión del conocimiento razonable-, se han buscado cánones y parámetros de legibilidad, ordenación y estructuración de textos, objetivando una realidad que ahora es revisada y singularizada, proponiendo alternativas y poniendo a prueba la hegemonía instrumental del texto con la producción de otros órdenes de sentido desde la creación (Méndez en Mínguez, 2017, p.17)6
Es en el siglo XX cuando aparece esta modalidad artística, formando parte de las vanguardias artísticas que pretendían acercar el arte al ciudadano de a pie.
Entre ellas, los surrealistas primero, los seguidores del grupo Fluxus después, o los cercanos al Pop Art, produjeron libros de artista, como también los integrantes del Arte conceptual utiizaron ya esta práctica artística.
Algunos artistas contemporáneos que han destacado como autores de libros de artista son Irma Boom7​ o Jack Pierson, entre muchos otros, pero como podemos imaginar las formas de producirlos son tan distantes como disímiles. Es por esta razón que, a diferencia de las aproximaciones realizadas desde los soportes, los formatos, las formas o la visualidad de los objetos resultantes, existen otros estudios que se interesan en taxonomías más comprensibles a partir de incidencias caracterológicas en la producción de algunos artistas, que toman el libro como centro de experimentación y creación metafórica, sea desde el objeto como tal o desde su idea.8
Asimismo el Arte postal, con sus peculiares características, hace uso de esta modalidad creativa, produciendo pequeñas ediciones de libros intervenidos, alterados, o editados con intervención de medios como el grabado, los medios digitales, lafotocopia, o simplemente a mano. El libro de artista es una obra de Arte, realizada en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico.
Es una forma de expresión, simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación, lo que lo hace un "libro" especial, de lectura no convencional. Carles Méndez (en Mínguez, 2017) anota:
El libro-arte nos hace frecuentar el límite, presentándose en la realidad pero declarándola insuficiente al mismo tiempo, por ello debemos recurrir a traer a la luz sus emisiones -propiedades físicas y abstractas-, a relacionarnos con ellas para habitar dicho umbral como ámbito de sentido. Un sistema de relaciones en red expansiva que nos lleva a relaciones imprevistas, inhóspitas, impredecibles, que no reconocen línea narrativa secuencial habitual pero que en su lectura cobra significado9​.(p.29)
En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos infinidad de obras, de todas las épocas y culturas

ROCK NACIONAL - bocetos

 El rock de Argentina es una denominación musical muy amplia que se aplica a cualquier variedad de rock and roll, blues rock, jazz rock, pop rock,punk rock, garage rock, rock psicodélico, hard rock, heavy metal y otros estilos musicales afines, creada, producida o generada de alguna forma en Argentina.





La influencia del rock and roll en Argentina generó diversas expresiones artísticas y movimientos musicales originales, que en muchos casos alcanzaron una gran popularidad. Fue uno de los primeros países en utilizar masivamente el español en el rock and roll, para comunicar y describir temáticas afines a su propia idiosincrasia y abundantes referencias a la geografía local.4567



Entre los movimientos rockeros argentinos se destaca el "rock nacional", denominación que se generalizó desde la década de 1980 para denominar una corriente heterogénea surgida en la segunda mitad de la década de 1960, que reconoce tres grandes bandas fundadoras (Los GatosManal yAlmendra), compositores como Luis Alberto Spinetta y Charly García y el estallido latinoamericano impulsado por grupos como Soda Stereo.



jueves, 14 de junio de 2018

Dia del ESCRITOR en el Bar LAVALLE.


Café literario Último Infierno presentacion del libro de Bardo Javier Robledo -Editorial Tres mas Uno - Eduardo Monte Jopia - Arte de tapa Lautaro DoresDiseño G. A.O Alejandra Orellana.



Aquí en vivo con especial del programa.."Letras & Artes de 3+1".
UN PROGRAMA DE MIÉRCOLES.
Conducción Eduardo Monte Jopia. ALVAREZ.
Co- conducción Lautaro Dores. BORGES.
Por Abasto Radio TV
Productor Martin Abastotv Magi.
IN - Contenidos LETRAS ARTES & MÚSICAS.




En el día del escritor estuvimos presente en el Ciclo Ultimo Infierno que organiza APOA (Gracias donde nuestro poeta Bardo Javier Robledo presento su libro de primer premio de Editorial Tres Mas Uno junto al artista Platico Lautaro Dores (filmacion) autor de la cubierta en el Bar de Lavalle y Rodríguez Peña en CABA